Элеонора Миль. Интервью с художником

- Расскажите о себе: как вы начали рисовать? Как давно это было?

- Я художник-график. Работаю преимущественно с графическими материалами и акварелью.

Основное направление моего творчества - реализм. Центральный сюжет моего творчества - городской пейзаж. Поэтому я много путешествую, что является бесконечным поводом к созданию новых работ!

Рисовать я начала в самом раннем детстве. Конечно, более серьёзное погружение в мир искусства началось с поступления в детскую художественную школу в 12 лет.

Мой путь в профессию начался в 15 лет, когда я поступила в знаменитую школу СХШ.

- Вы учились рисованию? Образование?

- Я получила полноценное художественное образование, от детской художественной школы до диплома специалиста по графическому дизайну. Весь путь занял 12 лет.

Самой главной вехой считаю своё обучение в СХШ (сегодня это художественный лицей им. Б.В. Иогансона при Российской Академии Художеств). Это по праву одна из лучших школ в мире, даже для тех, кто не продолжает своё обучение в Академии.

- Когда вы решили стать художником?

- Иногда мне кажется, что желание быть художником появилось раньше меня. Это такой мой способ коммуникации с миром. Как говорят мои коллеги: “я пишу, потому что не могу не писать”.

- Было ли какое-то особое событие, основная веха в Вашей творческой жизни, когда Вы почувствовали свой путь?

- Думаю, таких моментов в моей жизни было не мало. Например, первое участие в выставке. И сразу в одном из знаковых мест Петербурга. Это был масштабный проект, посвящённый символам русской истории. А через неделю после этого, биеннале в Манеже и моя первая серьёзная награда.

Не менее восхитительно было увидеть свою картину на обложке иностранного журнала. Пару раз мои работы становились афишами к коллективным выставкам. Думаю, это можно назвать памятным событием, когда из нескольких десятков прекрасных художников выбор падает на тебя. Безусловно, это повод вздохнуть свободной грудью и продолжать!

- Как вы можете описать свой художественный стиль?

- Глобально моё творчество можно отнести к реализму. Но это обманчивое впечатление, так как я не стремлюсь на 100% достоверно передать объект.

В данном случае мои эмоции выходят на первый план, и я стремлюсь передать своё впечатление об увиденном. И чтобы приблизиться к этой цели, иногда я корректирую реальность: объединяю какие-то ракурсы, сдвигаю на пару метров здание, приближаю или удаляю объект…

Но самое главное в этой игре то, что зритель этого не замечает!

Когда Вы находитесь в каком-то месте, Вы не воспринимаете его картинно, точечно. Вы постигаете окружающее пространственно, в движении. Точка Вашего зрения изменяется даже от движения головы! Прибавьте к этому несколько шагов… А в памяти сохраняется образ обобщённый, впечатление от всего увиденного сразу.

Вот именно к этому образу я и стремлюсь, выражая его в реалистичной манере. Думаю, что эту правдивую иллюзию было бы правильно назвать “додуманным” или “достроенным” реализмом. Но мне всегда хочется переадресовать этот вопрос к опыту искусствоведов.

- Что вдохновляет Вас на творчество? Как Вы выбираете сюжет?

- Центральное место в моём творчестве занимает городской пейзаж. Жизнь города как целостного культурного центра завораживает меня. Это искусственно созданная среда, в которой архитектура является наивысшей точкой выражения человеческих идей. Каждое здание несёт на себе отпечаток философии своего времени. Это очень меня впечатляет.

По этой причине, путешествия — это самый мощный источник вдохновения для меня. Это возможность исследовать многогранность нашего огромного мира. Знакомиться с новыми людьми, другими культурами. Это расширяет взгляд на жизнь и помогает лучше понимать самого себя.

- Как именно из увиденного рождается картина? Какой путь вы проделываете от впечатления до финала?

- В путешествиях я много рисую. Дорожные зарисовки — это лучший способ сохранить впечатление: “пришёл, увидел, влюбился”. Набросок не претендует на детали, их я потом найду на фото, но он сохраняет композицию, замысел и настроение. Ведущую роль в воплощении идеи я отдаю наброску, сделанному на месте. Я доверяю своему наброску больше, чем фотографии. Это первая трансформация реальности в призме авторского зрения. Часто такие зарисовки помогали мне восстановить в памяти то, что совсем не запечатлела фотография.

Затем, вернувшись в студию, я беру свои зарисовки и фотографии, и на основе этих материалов выстраиваю свою субъективную картину мира.

- Что Вы ищите в творчестве?

- Это как рассказывать историю или петь песню.

В потоке событий, раздумий и впечатлений иногда наступает высшая степень значимости жизни, что хочется буквально сказать словами Фауста: «Остановись мгновенье, ты прекрасно». В моей власти остановить эти мгновения моей жизни. К счастью, без фатальных последствий и даже с возможностью разделить их со зрителем.

- Какое значение имеет выставочная деятельность? Что для Вас важнее персональные или коллективные выставки?

- Выставки важны и до сих пор не потеряли своей актуальности, ведь это единственная возможность познакомить зрителя со своим творчеством. Конечно, в эпоху информационных технологий стало гораздо проще и быстрее завоёвывать свою аудиторию, но до выставки это знакомство всё равно остаётся заочным.

И у персональных, и у коллективных выставок есть свои преимущества. Персональная даёт возможность больше раскрыть себя зрителю. А коллективная выставка помогает развиваться самому автору. Это и возможность посмотреть на свои работы свежим взглядом, и на коллег. Большие выставки способствуют общению, обмену опытом, и кроме того, нужно пройти отбор, чтобы попасть в экспозицию.

- Ваша самостоятельная творческая жизнь началась после института?

- Получать свой первый творческий опыт я начала еще учась в институте, где-то на 3-м или 4-м курсе. Это был опыт и в области дизайна, т.к. я училась на дизайнера. И первый опыт в художественных выставках. В этом смысле я была одним из самых активных студентов.

В дизайне, конечно, был страх не справиться с заданием.

С выставлением своих картин мне было проще, т.к. я работала под чутким руководством своего куратора. Это дало мне немалый опыт к переходу в полностью самостоятельную жизнь. От того как работают выставочные комитеты, до правил транспортировки произведения искусства.

- Изменилась ли как-то жизнь художника сегодня? Это по-прежнему круговорот между мастерской и выставочной деятельностью или есть что-то еще?

- Мне кажется, что развитие интернета и социальных сетей, в частности, внесли много нового в творческую жизнь. Появилась возможность знакомиться и общаться с коллегами в любое время, на каком бы конце света они не находились. Столько материала и опыта оказалось открытым к доступу. Мгновенный обмен идеями, видеотрансляции процесса… Появился импульс к развитию.

Кроме того, производители художественных материалов перестали быть какой-то отдельной отраслью, они вошли в тесный контакт с творческими людьми. Они стали улучшать старые и создавать новые продукты, опираясь на наш опыт и наши потребности.

После сотрудничества с такими компаниями как Hahnemühle, Strathmore, Princeton Brush, Alvin - и мой опыт в познании материалов стал богаче, и их взгляд на использование продукции стал шире.

Я работаю с новинками, которые мне присылают, у меня есть возможность обратить внимание на минусы и отметить плюсы. Допускаю, что и раньше производители практиковали подобное сотрудничество, но оно точно не было таким эффективным и обширным.

- Ваша идеальная мечта как художника - какая она?

- В моём понимании идеал, это что-то столь же крайнее, как фанатизм. Я не мечтаю об идеальном. Как у художника, у меня много желаний. Есть среди них, конечно и невозможные: реализовать все свои идеи, для этого прожить лет 500 в добром здравии и желательно ещё так, чтобы в сутках добавили часов. Как справедливо, что это невыполнимо. Есть шанс научиться с возрастом отделять мух от котлет!

- Что для вас самое сложное в работе художником?

- Мне кажется, самым сложным для меня было принять тот факт, что творчество — это процесс создания и разрушения.

Я долго делила людей на созидателей и разрушителей, пока не осознала взаимосвязь этих явлений.

Так вот, путь от идеи до реализации достаточно прост, когда идея зажглась, то приходят и решения как её воплотить. Но вот чтобы зажечь этот факел, нужно перестать смотреть из привычного окна. Отпилить ветку, на которой сидишь и ринуться в поток.

Начать создавать, не опираясь на критику, на правила, вопреки моде…

Я считаю, это не просто.

- Какой совет Вы могли бы дать начинающим художникам?

- Есть у меня пара советов из личного опыта! Я настаиваю НЕ БОЯТЬСЯ ошибок. Не бояться белых листов и неверных линий. Лучше совершать ошибки, чем сковывать себя страхом. Второе гораздо заметнее.

Много раз я встречала талантливых людей, которые принесли из студенчества целый багаж запретов и правил: нельзя так держать карандаш, нельзя начинать с края листа… и многое другое в таком духе. Конечно, все эти правила были изобретены не просто так, у них была вполне конкретная цель - обучение: “Не пользоваться линейкой, чтобы поставить руку”. Но когда ты научился, эти ограничения теряют смысл.

Я бы хотела донести одну простую мысль: ограниченное рамками правил - творчество не рождается.